4 Le design dans les écoles supérieures d’art

Dominique Pasqualini
Sur le fronton de notre petite école à Chalon, il y a une plaque, sur laquelle est inscrit : « école munici­pale de dessin, art et techniques ». Vous voyez ce que je veux dire : c’est dessin, design, art, technique, médias, tout cela. Cela fait donc longtemps que l’on avait besoin de distinguer les choses mais comme on le sait aussi, il y a ce terme « d’art » qui se met à envelopper tout. Toutefois, il y a tout de même toutes les autres activités qui sont à l’intérieur, qui définissent fondamentalement ce qui se fait dans une école d’art – école d’art, école d’art et de design, école d’art et de média – et qui font que cette espèce de ligne ou de manière d’avoir à réunir, à faire des intersections entre les différentes « patates », a besoin d’être redéfinie. C’est pour cela qu’au sein de ce forum, où l’on s’interroge sur la façon dont l’art peut se tenir dans une école, en y substituant à certains moments le mot « création » – et vous avez constaté, dans la table ronde précédente, que cela peut faire débat – il faut absolument faire apparaître la question du design, qui soulève énormément d’interrogations quant aux enjeux politiques et économiques et quant à l’approche par la question du projet. Je vous présente donc Roosje Klap, designer, professeur et responsable du département de design graphique de The Royal Academy of Art, La Hague, qui nous vient du pays de Dick Bruna, le dessinateur génial de Miffy, ainsi que notre ami Rodolphe Dogniaux, designer et directeur de recherche du post-diplôme recherche et design de l’École supérieure d’art et design de Saint-Étienne. Nous écoutons d’abord Roosje Klap.

Roosje Klap
I am Roosje Klap, I am a designer and I am from the Netherlands. I have prepared a presentation for you about something that I do besides my studio practice and that is my position as co-head of Graphic Design together with Niels Schrader in the Royal Academy of Art in The Hague. The speech that I would like to give to you today is called “Involved Design”.

We think that design addresses communication problems, and for us it is a platform for debate and dialogue. Therefore, we think that it is very important to learn how to question. That is for us one of the properties of what is the driving force behind the design process. Decomposing the design challenge by asking more and more questions will bring you closer to the essence and the more thorough your research, the higher the quality of the design solution. One of the examples we often use in our education is a work by the American artist James Lee Byars, because he said the perfect thought must take the form of a question, and he believed that one does not get further with answers and explanations but believed that the question is at the heart of knowledge. He says “I can answer the question, but am I bright enough to ask it ?». He had this project called The World Question Centre, where he asked 100 of the world’s most brilliant minds of his time what they considered urgent for themselves. I have some examples here :

“What is knowledge ?” by Sarat Maharaj

“Why is it so difficult to make useful mistakes ?” by Hans Ulrich Obrist

“What could be the task of art today ?” by Marina Abramovic

“Can we wake up ?” by Daniel Buren

If you are deep in the ocean and you cut your finger, the blood will appear blue, not red. Why ?

Then one from the Dutch artist Mark Manders, “Is it possible not to have a question ?”

So in our department we believe that questions are at the core of the language of learning, because we also feel that design is like scientific research, interpolation allows us to create more and more accurate understanding of the unknown. Interpolation is the calculation of unknown values, the larger the number of questions the more accurate the resulting image becomes, so we think that by asking questions you refine and redefine your answers. The resulting design will be more accurate, more precise and more thoughtful.

KABK, the Royal Academy of Arts in The Hague is the oldest academy in the Netherlands. It was founded in 1682 and we have in our Graphic Design department alone around 200 students. We teach in English because more than 50 % of our students are from international backgrounds, with 26 nationalities in total. Our society is very important to us and this is why it is at the top of our list of focus areas, Society and Ethics then Theory and Research, hence the questions, Technology and Coding, Type Design and Typography and Entrepreneurship, and Innovation.

One of the things we do for instance is that we organize project weeks and invite guest artists. This week is called the Trip tribunal for uncertain objects and we talked for example about Immaterial Witnesses. It is a very complicated term, so we thought that it would be nice to ask a question too : “can you bring an iceberg to court ?” as an immaterial witness.

I think it is nice, if we think about the previous lecture for those of us who were here. One thing that is very important for us is to consider coding as one of the new crafts. We think that it is really important to learn how to code because the clash between analogue and digital media is not really a clash, but a quickly developing symbiosis. So we play between the different forms of media and we use them together in unexpected ways. This means that our students learn how to program. All of them, starting from the first year, they learn processing, CSS, html, java script and python, arduino – they learn all of these things and that is quite something special in our school. Maybe I should also say that we use a lot of open source software and our students program their own work. They do not use Photoshop, they write their own programs. What they do is something very original and specific. We have a very big tradition of typefaces and creating typography. You can imagine that the drawing of type that is done in my school, both in digital and analogue, also results, when combined with coding, in very playful things.

The next thing that I think is very important to say is that we really try to enhance corporation collaboration and sharing of projects, because I can tell you a lot of things as a teacher but I think you will learn more from your peers. We travel a lot. For instance, last week I took some of my students, just 42 of them, to the Balkans region and we travelled through Serbia, Kosovo and Macedonia to really see what is going on there, and to visit all of the monuments too. Just before that, we went to Morocco and we travelled in the Sahara desert together with a nomadic family to learn more about the folkloric experiments in this country. It is important because it is part of our theoretical approach towards learning, and it is important to enhance all of these things to become a socially cohesive group.

“You’ve got it, you show it” is also something important to know. You have to be able to present your work, not only to talk about it but also to write about it and to show it in exhibitions. Therefore, we organize many exhibitions, which can be quite difficult, especially for graphic design. People make books for instance but that is not necessarily an object for presentation. A book is made to be read, maybe to be held but not necessarily as an exhibition object. That is something that is interesting to think about : how do you show a book ? How do you talk about a book ?

Perhaps the most important thing is that we think in the Royal Academy of Arts in The Hague that it’s important to create a safe place where you can make lots and lots of mistakes, where there’s freedom to discuss, to research, to discover and to learn from your tutors and your peers. I would like to end with one important manifesto that we use in our school. It is a manifesto of John Cage from 1967 and it is called 10 Rules for Students and Teachers :

  • Rule 1 : Find a place you trust, and then, try trusting it for a while.
  • Rule 2 : (General Duties as a Student) Pull everything out of your teacher. Pull everything out of your fellow students.
  • Rule 3 : (General Duties as a Teacher) Pull everything out of your students.
  • Rule 4 : Consider everything an experiment.
  • Rule 5 : Be Self-Disciplined. This means finding someone wise or smart and choosing to follow them. To be disciplined is to follow in a good way. To be disciplined is to follow in a better way.
  • Rule 6 : Follow the leader. Nothing is a mistake. There is no win and no fail. There is only make.
  • Rule 7 : The only rule is work. If you work it will lead to something. It is the people who do all the work all the time who eventually catch onto things. You can fool the fans - but not the players.
  • Rule 8 : Do not try to create and analyse at the same time. They are different processes.
  • Rule 9 : Be happy whenever you can manage it. Enjoy yourself. It is lighter than you think.
  • Rule 10 : We are breaking all the rules, even our own rules and how do we do that? By leaving plenty of room for “x” qualities.
  • Helpful Hints : Always be around. Come or go to everything. Always go to classes. Read everything you can get your hands on. Look at the movies carefully and often. SAVE EVERYTHING. It may come in hand later.

Rodolphe Dogniaux
Le design… quel magnifique métier. Tous ces voyages en TER, à la rencontre de fournisseurs à Oyonnax, à Alès et à Dole. Toutes ces journées à déchiffrer des cahiers des charges inexpressifs, d’un élégant jargon, à la fois technique et chaotique. Tous ces moments face à un client à démontrer l’intérêt et la pertinence de nos propositions avec ferveur et passion et à se sentir incompris. Tous ces moments où le projet mené durant cinq mois est d’un coup annulé, abandonné et souvent non payé. Tous ces moments passionnants où les projets alimentaires prennent le pas sur d’autres projets personnels. Toutes ces journées coopératives, collectives, collégiales avec les acteurs importants du projet mené sur Skype, avec une mauvaise connexion Internet. Toutes ces charrettes, ces nuits blanches qui arrivent souvent lors d’un jour férié. Mais n’oublions pas également ces repas de cinq heures en banlieue de Shenzhen entouré de vingt sous-directeurs chinois d’une entreprise de bouchons en PET, à trinquer et à boire cul-sec vingt verres de vin rouge chinois. Et tous ces autres événements que j’oublie mais qui m’ont construit en tant que designer. Je remercie ce métier de me faire accepter l’imprévisible comme quotidien, malgré les nombreux schedules, plannings, méthodes et stratégies mis en place. Merci de me faire travailler au cul d’une machine avec des odeurs de forge et de soudure. Merci de pouvoir pratiquer des démarches de projets prospectifs, intégrant sociologie, technologie, économie, ostréiculture et byssus. Enfin, un grand merci aux écoles de design et d’art qui m’ont formé et ne m’ont pas appris tout ça, afin que je le vive et que je définisse moi-même mon métier de designer. Merci de ne pas m’avoir donné la panoplie complète du bon designer, mais de m’avoir proposé une panoplie à compléter où il faut trouver l’équilibre entre acquis de compétence, expérimentation, culture et technique. Cette position m’a permis, en tant qu’élève, de construire un libre arbitre et un sens critique et d’établir mon propre parcours. Les projets bodybuildés pour appréhender la construction d’approches complexes diverses et les projets augmentés, par un ingénieur, par des responsables de filières déchets, par des sociologues, par des agitateurs d’idées, m’ont ouvert des points de vue et des possibles inattendus pour développer mes projets. Merci chères écoles de design de me sensibiliser et de m’inscrire dans la culture du projet, essentielle dans l’enseignement du design afin d’inventer de nouveaux scenarios et d’évoluer entre des approches mercantiles, plastiques, symboliques, empiriques, expérimentales, et de questionner la société. Ces lieux d’enseignement qui se cultivent et se nourrissent de l’air du temps métamorphosent l’intuition en production afin de découvrir de nouveaux terrains d’aventure. Des formes d’enseignement non basées sur une spécificité, me font comprendre que le design est en perpétuel mouvement, et me permettent de mieux accompagner, voire provoquer des changements en me laissant un champ libre d’action et d’invention. Merci de me faire partager les propos d’Ettore Sottsass en me faisant comprendre que « le design est une façon de concevoir la vie, c’est une façon de concevoir la société, la politique, l’érotisme, la nourriture et même le design. Au bout du compte c’est une utopie figurative ou une métaphore sur la vie. Assurément, le design, pour moi, ne se limite pas à la nécessité de donner forme à un produit plus ou moins stupide pour une entreprise plus ou moins raffinée. Si l’on veut dispenser un enseignement quelconque sur le design, le premier enseignement à donner porte sur la vie et l’on doit insister en expliquant que la technologie est une des métaphores de la vie. » Merci de m’apprendre et de me faire découvrir, notamment à travers vos ateliers techniques régulièrement actualisés, cette capacité du design et de l’enseignement des écoles d’art et design à donner forme à des recherches et à des concepts complexes. Merci de me maintenir toujours en veille au regard des interstices du design, de proposer et d’explorer jour après jour de nouveaux territoires, de nouvelles économies, d’inventer de nouvelles représentations citoyennes, puis de me faire comprendre et assumer que l’un des partenaires naturels du designer est l’entreprise. Les rapports collaboratifs, les projets coopératifs, les problèmes de structures productives sont un terrain d’action et de construction pour ma formation de futur designer. L’enseignement du design doit, plus que jamais être un processus créatif, flexible et anticipateur du changement. Dans ce contexte, chaque jeune futur designer doit apprendre à se fabriquer ses outils de lecture, d’exploration et de conception pour trouver un angle de vue et d’intervention qui lui soit propre, afin de répondre aux questions de l’évolution de nos sociétés. Le design prend toute sa valeur dans sa capacité d’inventer de nouveaux contours de la vie quotidienne. C’est l’observation pertinente de l’évolution des modes de vie des individus, des communautés, et la capacité de les accompagner, qui conduisent la création industrielle sous toutes ses formes. Et pour finir, merci chères écoles de me faire comprendre qu’aujourd’hui et demain, il existera toujours autant de manières de pratiquer le design que de designers et de formes de l’enseigner.

Rodolphe Dogniaux, Méthode design en ligne à l'Esadse

source : demainlecoledart.fr